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從品牌識別2.0到設計師群像,臺北正在打造一個不提供答案的時尚平台
有些城市用趨勢定義時尚。2026臺北時裝週AW26,選擇讓它自己長出來。
2026年秋冬,臺北時裝週被標記為「轉型元年」。但這個轉型,沒有急著宣告風格,也沒有試圖建立某種可被快速辨識的輪廓。
反而更像是把框架打開,讓所有尚未完成的東西發生。
本季以「交集、呈現」為視覺核心,品牌識別2.0以線性結構展開,取自 Taipei 與 Fashion 的字首 T、F,卻刻意保持開放。
沒有封閉的邊界,也沒有唯一的閱讀方式。

那些交錯的線條,更像是一種狀態:
不同世代、不同文化、不同速度的創作,在同一個空間裡同時存在。
於是,臺北時裝週不再只是展示完成作品的地方。
它變成一個讓「未完成」被看見的場域。
在這樣的系統之中,有些設計開始回到更根本的問題——身體是什麼?時間如何被穿上?
C JEAN 的 AW26 系列《SA TA NA MA》,將身體視為經驗發生的場域。誕生、成長、消逝與重生,被轉化為輪廓、材質與動態之間的變化。

與京都超過千年歷史的臈纈染工坊合作,古老工藝不再只是被保存,而是被重新語言化。
服裝不只是外在形式,而是一種對生命循環的回應。
如果說有哪一場作品,讓「個人經驗」成為整個空間的核心,那會是 BOB Jian。
《留下來的人 What Remains》不是一場單純的服裝展,而更像一段被拆解的生命敘事。
從象徵母親的深藍紗層,到巨大粉色布料包覆的〈安放〉,再到觀眾可以親自簽名的最終作品——服裝成為一種容器。

裝載失去,也裝載重新站起來的方式。
在這裡,訂製服不再只是為重要場合存在,而是延伸為一種可以被共享的情感經驗。
而另一端,JUST IN XX 則把時間變成一場更戲劇性的錯位。
《LONE STAR》像是一場暗夜儀式——街頭少年走進博物館,被古典靈魂附身。

軍裝、蕾絲、刺繡、骷髏與街頭語彙彼此衝撞。那些來自不同時代的元素,不再被分類,而是同時存在於一具身體之上。
這不是復古,也不是混搭,而是一種風格的「借身重生」。
TANGTSUNGCHIEN 的《Forms of Holding》則提出另一種更安靜的命題。
服裝被視為「可穿戴的建築」,同時也是承載情感的空間。
結構在靜止時清晰如建築,移動時卻逐漸鬆動、重組。
柔軟不再是對立於力量的存在,而是力量本身。

Yentity 的《Monochrome Continuum》將視角拉回城市。
中性色調、建築感輪廓,拒絕過度強調身體曲線。女性不需要透過裸露或貼合來被定義。
在冷靜的灰階之中,鵝黃與橙色像光一樣滲入。
那是一種經歷過時間之後留下的溫度。

對 Liyu Tsai 而言,時間不是背景,而是主體。
30週年系列《形.時序 FORME & TEMPS》,將「累積」轉化為結構:布料的垂墜、摺線與重量,都是時間的痕跡。

沒有戲劇性的高潮,只有穩定而完整的生成。
#DAMUR 則把焦點放回身體本身。

AW26《The Mind Fighter》 以「Wellness / Training Culture」為核心,把健身文化轉化為時裝語言。
輕量面料、高彈結構,描繪的是一個正在變強、正在轉換的身體。
服裝不只是風格,而是狀態。

INFDARK 則選擇從崩壞開始:隕石墜落、秩序瓦解,模特倒地又重新站起。
服裝結構被拆解、重組,停留在「尚未完成」的狀態。
當一切規則消失,設計不再是結果,而是一個持續生成的過程。

WEITZUYUAN 將媽祖與波賽頓並置,將東方與西方、信仰與神話,在軍裝輪廓與神龕元素之中交織。
但最終指向的,並不是風格本身,而是對海洋與環境的提問。

WANGLILING 的〈島嶼萬象〉,把視角拉到更宏觀。
山、海、花、鳥,被轉化為服裝的輪廓與結構。
這不只是描繪自然,而是讓自然成為服裝本身。

DANIEL WONG 則把焦點放在「系統」。
《WORK IN PROGRESS》從辦公室結構出發,將表格、網格、資訊流轉化為印花與剪裁。
設計不只是作品,而是一套可以被延伸的語言,甚至是一種可被複製、轉譯、再利用的資產。

當這些作品被放在同一個平台上時,很難用一句話總結臺北時裝週。
它不一致、不統一,甚至有點混亂。
但也正因為如此,它開始變得真實。
這裡沒有唯一的風格,沒有標準的美學,沒有必須追趕的趨勢。
只有一個問題,一直存在:
當所有答案都被拿走之後,你還會怎麼創作?
時間|2026 年 3 月 26 日-3 月 29 日
地點|松山文創園區
內容包含|