2026 北美館春夏展覽總覽｜當超現實、物質感知與共生哲學，同時在台北發生

當我們所熟知的現實秩序開始劇烈變動，藝術便成為最溫柔的激進提問。

2026 年的春夏季，臺北市立美術館（北美館）化身為一座巨大的感知實驗室，一口氣端出四場跨越時空、重組日常的重磅展覽。

從夢境與潛意識構成的超現實宇宙，到物質如何悄悄改變我們的生活；從人與非人的共生網絡，到重新思考公共空間與觀看關係的場域實驗——今年春夏，臺北市立美術館幾乎把「當代藝術正在關心什麼」完整攤開。

如果說過去的藝術是在觀看作品，那麼今年的北美館就是在邀請你，暫時登出線性邏輯的旅程，在展廳的明暗交替間，重新校準我們與世界的關係。

《超現實主義：對話中的世界》：當夢境、潛意識與荒誕感重新回到現實

「精緻的屍體將喝下新釀的酒。」（原文法語：Le cadavre exquis boira le vin nouveau.）
源自於 1920 年代藝術家們發明的一種集體創作遊戲——「精緻屍體」（Cadavre Exquis）。

超現實主義從來沒有真正離開過這個世界。尤其是在 AI、演算法與數位影像全面滲透生活的現在，我們似乎比任何時代都更靠近「非理性」。

自 1924 年安德烈．布勒東發表《超現實主義宣言》至今已更迭百年，而北美館今年春季推出的大型國際展《超現實主義：對話中的世界》，再度與德國圖賓根文化交流協會合作，集結近 60 位國際藝術家與影像創作者、逾 120 件代表作，從繪畫、雕塑、攝影到電影、AR創作，重新梳理超現實主義如何一路影響至今，證明這場文化革命從未終結，甚至產生一股與時代共振的動能

展覽最迷人的地方，在於它並不只是在回顧藝術史，而是讓 1920 年代的超現實主義，與當代世界直接展開對話。

從 René Magritte、Man Ray 到 Claude Cahun，再到沉浸式擴增實境、生成影像與當代錄像創作，夢境、身分流動、潛意識與慾望，仍然是這個時代最真實的命題。

這次北美館也特別設計一個「精緻屍體（Cadavre Exquis）」互動體驗區，讓觀眾能直接參與超現實主義最經典的集體創作遊戲。

那些荒誕、偶然與失控感，也讓人重新意識到：

有時候，真正自由的創作，往往來自失序。

超現實從來不是脫離現實，它只是另一種更深層的現實呈現在眼前。

➤展區必看與導覽：

• 集體夢境與幻化： 雷內．馬格利特（René Magritte）陌異化的物理現實、伊夫．唐吉（Yves Tanguy）荒蕪的主觀風景，對照當代蘿倫．莫法特（Lauren Moffatt）以遊戲引擎具象化女性潛意識的沉浸式 AR 作品，夢境在這裡被重新編碼。

• 慾望與身分的蛻變： 展覽不僅有曼．雷（Man Ray）經典的《安格爾的小提琴》，更透過梅雷特．奧本海姆與莎拉．盧卡斯的作品，將傳統「男性凝視」下被動的女性身體，扭轉為拒絕被投射慾望的主動載體。

• 荒誕玩趣的詩意： 現場不僅展出沃爾夫岡．帕倫的隨機煙燻創作，更特別規劃了「精緻屍體（cadavre exquis）」繪畫體驗區，邀請觀者親自感受不受傳統束縛的偶然性創作。

• 四大展區層層遞進：幻化無際、荒誕玩趣、集體夢境、慾望之體，四種不同主題，帶你看見超現實主義如何以另一種形式出現在我們的生活中

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《物質世界》：當日常物件，開始反過來塑造我們

展覽裡最動人的，可能是那些最微小的東西。

如果《超現實主義》談的是潛意識，那麼《物質世界》談的則是，那些我們每天早已習慣到無感的東西。

物質早已不僅是被消費的符號，更形塑了人們的行動模式。

這檔由北美館典藏出發的研究展，策展人馮馨以「Material Extensions」為名，梳理自 1936 年何德來油畫至今，橫跨近 90 年館藏脈絡，集結 29 位藝術家、87 件作品，重新思考物質如何形塑現代人的生活與觀看。

從手機、衣服、家具、塑膠、聲音、灰塵、品牌符號、城市空間等，它們看似只是物件，但其實早已默默改變我們的感知方式。

展覽裡有很多作品，都帶著某種「熟悉到令人不安」的感覺。

例如藝術家李明學的《溢出的記憶》，把不同品牌卻極度相似的商品並列陳列，讓觀眾開始懷疑自己的觀看能力——我們究竟是在辨識物件，還是在辨識品牌替我們建立的記憶？

黃冠均則讓壓克力顏料脫離畫布，直接變成塑膠雨衣本身。

而白景瑞 1960 年代的《台北之晨》，則由音樂人林強重新配樂，以電子聲響重新覆寫昔日台北街景。

何采柔與湯雅雯則把乾衣機棉絮與家中灰塵，變成藝術裝置。

那些平常幾乎不會被注意到的殘留物，最後竟慢慢堆積成時間的形狀，變成了最真實的證據。

《物質世界》真正有趣的地方是它讓觀展者們重新意識到：我們從來不是單純「使用物品」，而是被物品反過來塑造成現在的樣子。

➤展區必看與導覽：

• 消費機制的慣習： 李明學的《溢出的記憶》將同款商品分別置於不鏽鋼層架，透過相似的視覺暗示欺騙觀眾的經驗；黃冠均則讓壓克力顏料脫離畫布，化為塑膠雨衣材質本身。

• 時空的聲音對話： 展場特別呈現白景瑞 1960 年代的經典錄像《台北之晨》，並搭配音樂人林強全新製作的電子樂與實驗聲響，將現代精神無縫融入昔日臺北景觀。

• 微小時間的堆疊： 何采柔的《More》與湯雅雯的《揚起》，分別採集乾衣機中的棉絮與家中的灰塵，轉化為毛衣與藝術裝置，將那些隱形於日常的微小變化，緩慢堆積成時間的痕跡。

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《共感：存在的節奏》：當藝術開始討論人類如何與世界共生

這幾年，「共生」幾乎成為全球藝術圈最重要的關鍵字之一，而《共感：存在的節奏》或許是北美館近年最完整的一次回應。展覽從自然、科技與行動實踐三個方向切入，討論人類如何重新理解自己與物種、環境、技術之間的關係。

在數位演算法與人工智慧高度發展的今日，自我與環境的邊界正變得更有機。

策展人余思穎援引「臨界區」與量子物理中的「量子糾纏」概念，集結 11 位/組國內外藝術家，提示「存在」其實是一場互利共生的網絡。

展名中的「共感」，不是單純情感共鳴，你能感受到的是一種彼此牽動、共同生成的存在狀態。

像是日本藝術家山城知佳子的錄像作品《土之民》，將沖繩與濟州島歷史、土地與戰爭記憶交織成一場低語般的影像敘事；而 NOIZ Architects 的《待機休眠中 Lazy House》則讓建築裝置能夠感應觀眾目光，自行產生形變與回應。

最讓人印象深刻的，可能是周東彥／狠劇場的 XR 作品《變動的連結》。

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觀眾必須與其他人共同參與，才能完成整個觀看體驗。那種「一個人無法成立」的設計，其實也正是展覽真正想說的事：

我們從來都不是獨立存在。

➤展區必看與導覽：

• 人與非人的演繹： 盧明德的《生態圖鑑》以虛實交錯的擬態探討自然真實；桑佳．鮑梅爾（Sonja Bäumel）則透過培養菌落的《活體藝術品》，讓體內不可見的微生物被感知，重新界定人類的主體性。

• 技術重塑的未來： 吳其育與陳普的《零點溫室》以 19 世紀沃德箱為靈感，探問由 AI 資料庫主導的未來，人類如何以另一種形式延續對自然的想像。

• 觀看視角的反轉： 彭弘智的《面對面》將螢幕嵌入動物雕塑頭部，觀者必須模仿犬隻的低姿態方能觀看，透過身體經驗的轉換，引導我們進入他者的感知。

2026 X-site《鏡・亭・山》：把廣場變成一場可以走進去的感知實驗

每年北美館 X-site，幾乎都像是台北夏天最自由的公共藝術實驗。

第 13 屆 X-site 計畫由「做白工作室」打造的《鏡・亭・山：相看兩不厭》奪下首獎，把「空間」本身變成作品，重新定義了公共空間，像是一座會呼吸的獨立領域。他們在通行頻繁的北美館廣場上，利用鋼板與懸索結構「掀起」了地表，創造出一片完全穿透、不靠柱牆支撐的自由場域。

「鏡」、「亭」、「山」三個元素，也各自形成不同層次的閱讀：它是會映照環境的鏡面、是可停留休憩的亭，也是供人穿梭的山。

整件裝置像是一塊被輕輕掀起的地面。你可以停留、穿梭、躺下、聽聲音，也可以只是單純經過。但你在「經過」的本身，就已經成為參與，作品裡甚至藏有能被觸碰發聲的互動裝置。

那些來自美術館現場的腳步聲、低語聲與環境聲響，被重新變成空間的一部分。

這個作品要帶觀眾意識到：

一座廣場本身，也能擁有自己的感知與記憶。

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2026春夏，給自己留一片空白

這個春夏，北美館的四場展覽，其實都在做同一件事：讓我們重新學習觀看。

觀看夢境、觀看物質、觀看萬物彼此牽動的痕跡，也觀看自己與世界之間那些早已被忽略的關係。

如果最近總覺得資訊太快、世界太吵，也許可以把半天留給北美館，在那些光影、灰塵、夢境與低語之間，重新把感知慢慢找回來。

展覽資訊

📍超現實主義：對話中的世界

• 展期： 2026.04.25 – 08.30
• 地點： 北美館地下樓 D、E、F 展覽室

📍物質世界

• 展期： 2026.05.01 – 08.16
• 地點： 北美館 2A、2B 展覽室

📍共感：存在的節奏

• 展期： 2026.05.09 – 09.20
• 地點： 北美館 1A、1B 展覽室

📍2026 X-site 計畫《鏡・亭・山：相看兩不厭》

• 展期： 2026.05.16 – 07.26
• 地點： 北美館戶外廣場

更多關於展覽資訊、藝術家座談、超現實繪畫工作坊與 X-site 四幕公眾活動的報名詳情

請至 臺北市立美術館官網 或是 社群網站 上查詢。

• Photo Credits: 臺北市立美術館 Taipei Fine Arts Museum / 做白工作室