2026 臺北時裝週 SS27 回顧：從伸展台到沉浸式展演，看見台灣時尚的更多可能

時尚不只是伸展台上的一套套服裝，也可以是一段家族記憶、一場跨越國界的文化交流，甚至是讓觀眾親身走進其中的沉浸式體驗。

2026 年 10 月 15 日至 18 日，臺北時裝週 SS27 首度從松山文創園區移師空總國家文化基地，以這座承載歷史記憶的場域為起點，串聯 RUNWAY 時裝秀、PRESENTATION 展演、EVENT 響應活動與 Trade Show 風格展，讓服裝設計走出單一的展示形式，延伸至藝術、文化、材料研發與生活體驗。

本屆臺北時裝週共呈現 5 場時裝秀、8 場展演、11 場響應活動及 2 場國際時尚沙龍，風格展則集結 56 個國內外品牌。活動期間累計吸引超過 29,000 人次參與，較去年成長 42.8%，預估創造約新臺幣 3 億元產值。

除了活動規模的成長，本屆更值得關注的是台灣時尚如何透過不同形式，重新連結設計師、產業、國際市場與一般消費者。從傳統工藝的當代轉譯，到永續材料的實際應用，再到服裝與音樂、影像、運動及生活文化的跨界合作，

回看 SS27，幾個值得關注的方向逐漸浮現：設計師如何將個人觀點轉化為服裝語言？傳統工藝與流行文化如何進入當代設計？而時裝週又能如何從創作展示，進一步連結市場與消費者？

2026 臺北時裝週 SS27 呈現的，不只是一季春夏服裝的流行趨勢，也是一場關於台灣時尚如何持續發展的延伸議題。

——RUNWAY——

從流行文化到台灣工藝，讓服裝成為觀點的延伸

本屆 RUNWAY 的設計語言相當多元。有品牌從電影、漫畫與運動文化汲取靈感，也有設計師回望台灣傳統服飾工藝，或透過歷史美學與實驗材質，重新思考服裝與身體之間的關係。

GIOIA PAN × DC｜《暗夜織語》

當蝙蝠俠與高譚市成為服裝的內在力量

GIOIA PAN 潘怡良以《暗夜織語》（NOCTURNAL TEXTURES）為題，與華納兄弟旗下 DC 超級英雄 IP 合作，將蝙蝠俠與高譚市的暗黑世界帶入時裝創作。

系列並未停留在角色圖像或電影服裝的直接挪用，而是聚焦蝙蝠俠身處光明與黑暗、秩序與混亂之間的精神狀態。以黑色為核心，延伸黑白、黑灰漸層，以及黃色、紅色與多彩印花，並透過針織與梭織面料的搭配、俐落剪裁及建築感輪廓，將超級英雄的象徵轉化為當代服裝語言。

這種創作方式也反映出流行文化與時裝設計合作的另一種可能：IP 不只是吸引目光的視覺符號，更能成為設計師探索個人精神與美學的起點。

INFDARK｜《MACRO / MICRO》

從吸血鬼傳說到哥德美學的當代重組

INFDARK 以《MACRO / MICRO》為題，從安．萊絲（Anne Rice）的《夜訪吸血鬼》汲取靈感，將巴洛克、洛可可與維多利亞時期的服裝元素重新拆解，融入當代哥德風格。

系列透過緊身胸衣、披風、繁複裝飾與立體剪裁，呈現歷史服飾的戲劇性，也以解構手法重新組合不同時代的輪廓。其中，品牌與高得石材合作，將天然大理石的紋理轉化為數位印花，讓原本堅硬、厚重的石材意象，出現在柔軟的服裝面料上。

從歷史服裝的輪廓到與石材的跨界合作，INFDARK 展現的哥德美學不只是黑色服裝的視覺風格，更是一套融合敘事、工藝與感官體驗的設計語言。

JENN LEE｜《控制與失控的研究》

讓旗袍工藝走進當代解構時裝

台灣設計師品牌 JENN LEE 以《Study of Control and Loss of Control／控制與失控的研究》為題，將台灣旗袍工藝帶入前衛時裝設計。

本季與擁有 75 年經驗的台灣旗袍師傅陳寶玉合作，從手工一字扣、刮漿糊、手縫滾邊以及精準的縮拔燙塑形技術等，延伸至皮革旗袍的製作。服裝以俐落的哥德線條、鏤空設計與不同材質的對比，探索傳統服飾所承載的規範，以及個體對自由與自我表達的渴望。這次也與台南纖維藝術品牌喜爾坊合作，將植物染與生態印染運用於皮革，讓葉脈與天然色彩留下難以複製的紋理。

當傳統工藝遇上實驗性剪裁，旗袍不再只是對過往服飾的復刻，而是能持續被拆解、重新理解，讓跨世代傳承的工藝與當代時裝真正產生對話。

INMORIES × TPBL ｜《靜中之動》

把籃球文化轉化為日常服裝的動態語言

以高級基本款為核心的台灣品牌 INMORIES，透過《MOBILIZE — Transform by Movement 靜中之動》，探索運動文化與日常時裝之間的關係。

品牌並與台灣職業籃球聯盟 TPBL 合作，邀請來自七支球隊的球員與啦啦隊成員參與走秀，讓運動員成為系列的一部分。從籃球場地線條、球員動作與身體移動軌跡汲取靈感，以簡約輪廓、俐落剪裁及低調色調，呈現品牌一貫的優雅與實穿風格。

這場跨界合作不只是將籃球元素放進服裝，而是將球場上的身體動態、運動社群與時尚消費者連結起來，讓時裝成為不同文化圈交流的媒介。

Daniel Wong｜《Dress Code》

從穿衣規則出發，重新思考自我表達與身分認同

Daniel Wong 以 《Dress Code》 為題，將穿衣規範視為一種無聲的語言，探索服裝如何反映身分、文化，以及人們進入不同社交場域時所扮演的角色。系列在規則與自我表達之間尋找平衡，透過正式服裝、印花與日常單品的重新組合，回應當代人在工作、生活與社交情境中的多重身分。

本季印花以 「The Language of Dress」 為概念，解構馬術元素，將品牌 Monogram、繩結、馬具與奔馳中的馬匹轉化為視覺符號，分別呼應秩序、承諾、控制與自由等意象。軍綠、玫瑰粉、黑白色調搭配蕾絲、皮革、格紋與燈芯絨，透過立體剪裁與輪廓變化，讓正式與休閒之間有了更多轉換可能。

系列也延伸品牌對探索精神的重視，透過可變化的襯衫、外套與洋裝設計，讓服裝不再受限於單一場合。開場邀請臺灣樂團八三夭穿著訂製造型登台並現場演出，進一步呈現品牌所強調的 Explore 與 Wild 精神。

RUNWAY 的共同趨勢：時裝不只呈現風格，也傳遞文化

從 GIOIA PAN 與 DC 的跨界合作，到 INMORIES 與職業籃球的結合，再到 JENN LEE 對旗袍工藝的重新詮釋，本屆 RUNWAY 呈現出不同的創作路徑。

設計師不再只是思考服裝的外觀，而是進一步探索：一件衣服可以承載什麼故事？如何讓文化符號成為當代設計的一部分？又如何透過跨界合作，讓服裝接觸原本不一定會進入時裝秀場的觀眾？

這些問題也延伸至本屆的 PRESENTATION 展演，讓服裝不只透過實穿在模特兒身上被觀看，更透過材質、空間與敘事，呈現創作背後的思考。

——PRESENTATION——

從記憶、自然到材料實驗，重新思考時尚的多元性

相較於伸展台以動態方式呈現服裝，PRESENTATION 讓觀眾有更多時間靠近作品，觀察剪裁、材質與細節，也讓設計師能以更自由的方式安排作品與空間的關係。

本屆展演中，不少品牌從個人經驗、台灣自然環境及材料研發出發，將原本抽象的情感與概念，轉化為可以被觀看、感受與理解的服裝設計。

AISH｜《REUNION｜重逢》

透過四個世代的衣物與記憶，重新理解失去、修復與愛

AISH 以 《REUNION｜重逢》為題，設計師 Jean Hsia 夏筱琴的生命經驗出發，並深受恩師、纖維藝術家翁邦鳳老師以舊衣為媒材的藝術創作啟發，將服裝視為承載情感與記憶的媒介。對品牌而言，衣物不只是被穿著的物件，也保存著家庭關係、時間痕跡，以及那些難以直接說出口的情感。

系列透過解構、異材質拼接、立體剪裁與手縫工藝，重新組合舊衣的形態。設計刻意保留縫線、切割痕跡與不對稱結構，讓原有服裝的痕跡不被完全抹去，而是成為新作品的一部分。這種創作方式也呼應記憶本身的特性：修復並不意味著回到原來的樣子，而是在經歷失去之後，重新建立與過去的關係。

此次 PRESENTATION 進一步結合服裝、影像與空間敘事，由夏筱琴親自用文字、旁白的形式搭配走秀，讓觀眾不只觀看成衣，也能感受作品背後的情感脈絡。當舊衣被重新拆解與組合，所謂的重逢便不只是與某個人再次相見，也可能是重新理解自己的來處，以及那些仍留存在生命中的愛。

CHARINYEH｜《島嶼潮生 Island Tides》

從海洋生態與身體感知出發，將島嶼的流動轉化為服裝語言

臺灣設計師品牌 CHARINYEH 以 《島嶼潮生 Island Tides》為題，從設計師葉珈伶對水的感知出發，將能夠閉氣長達十五分鐘的身體經驗，延伸為對流動、包覆與呼吸的探索。水既是身體感知的起點，也是系列理解島嶼環境與生命節奏的重要線索。

在服裝設計上，品牌運用延展輪廓、層疊剪裁與輕盈材質，呈現水流與身體之間的互動；中華白海豚、柴山多杯珊瑚與澎湖章魚等海洋生物，則轉化為印花、刺繡、針織及服裝結構，讓臺灣海洋生態進入設計語言。不同元素不只是自然圖像的再現，也成為觀察生命形態、環境變化與身體關係的方式。

展演以六個區域展開，包括 Island Body、Unfolding Form、Chromatic Pulse、Drift Line、IMMERSE 與 WANDER，透過不同主題與空間安排，建立從身體感知到島嶼探索的觀看路徑。創立於 1985 年的 CHARINYEH，也藉由本季作品再次呈現品牌對服裝輪廓、材質與自然環境之間關係的持續探索。

Claudia Wang｜《In a Room of One’s Own》

從英國春日的光影與花卉出發，將記憶轉化為柔軟的服裝輪廓

Claudia Wang 以 《In a Room of One’s Own》為題，從個人記憶、英國春日光影與花卉意象出發，探索情感如何在時間推移之後，轉化為另一種存在形式。系列並非單純描繪自然景色，而是透過花朵的形態、光影的變化與柔軟的服裝輪廓，呈現記憶、失去與自我重建之間的關係。

本季運用花卉抽皺、錯視印花與層次輪廓，將自然形態轉化為服裝結構；品牌也與珖藝印花合作，在美國棉布上運用白墨印花技術，進一步探索圖像、布料與視覺層次之間的可能。透過印花與立體細節的交錯，服裝呈現出如同記憶般若隱若現的視覺效果。

系列名稱所指向的房間，也可以理解為一個容納個人情緒與內在經驗的空間。當設計師將難以言說的感受轉化為布料、色彩與輪廓，服裝便不只是外在形象的建構，也成為重新整理自身經驗的一種方式。服裝性格的塑造。當實驗性設計與天然纖維結合，藝術感與日常穿著之間也有了更多可能。

JUST IN XX｜《文化量產系統 UNIFORMOSA》

從臺灣日常制服出發，重新定義文化如何融入設計

JUST IN XX 以 《文化量產系統 UNIFORMOSA》為題，回望設計師周裕穎過去二十年的創作歷程，重新梳理他眼中的臺灣。系列將制服作為觀察入口，從博物館、餐飲、超市、校園到國際賽事，呈現制服如何在不同場域中承載組織文化、工作需求與集體身分。

對品牌而言，制服並非只有一致的外觀與實用功能，也是一種能夠被設計、被閱讀的文化載體。系列將臺灣在地文化與既有資源融入不同服裝設計，例如將珍珠奶茶轉化為制服細節，並透過泡泡紗的材質肌理，呼應臺中綠美圖的建築質感。這些元素不只是視覺上的在地符號，而是嘗試從日常生活中，尋找具有辨識度的臺灣設計語言。

本次呈現也涵蓋 2005 至 2026 年間的相關作品與過往未被採用的提案，讓觀眾看見設計如何在不同需求、文化情境與實際應用之間持續調整。從單件服裝到制服系統，JUST IN XX 將文化視為可以被重新組織與運用的設計資源，也讓臺灣日常成為當代時尚的重要素材。

oqLiq × WISDOM®｜《CONSTRUCTIVISM》

從機能丹寧到空間裝置，探索服裝結構如何延伸至立體世界

臺灣設計品牌 oqLiq 與 WISDOM® 以 《CONSTRUCTIVISM》為題，透過 2027 春夏聯名系列，探索服裝材料、結構與立體感之間的關係。系列以 COOLMAX® 科技丹寧面料為重要素材，將機能性與當代設計結合，並藉由服裝輪廓與材質表現，延伸兩個品牌對機能服飾與結構美學的探索。

此次呈現並未只將焦點放在服裝本身，而是結合展覽空間、裝置藝術與動態影像，讓設計概念從平面布料延伸至立體環境。觀眾在觀看服裝的同時，也能透過空間配置與影像變化，理解材料、結構及身體動態如何共同形成視覺經驗。

以「構成主義」為題，作品將服裝視為可被拆解、組合與重新建構的系統。當機能布料與空間設計產生連結，時尚便不只是穿著物件，也能成為探索建築感、身體動態與當代生活方式的媒介。

Story Wear｜《Love Revolution｜Story of Taiwan》

從回收牛仔褲到社會共融，讓循環時尚成為可以被參與的行動

臺灣永續時尚品牌 Story Wear 以 《Love Revolution｜Story of Taiwan》為題，於臺北嘉佩樂酒店 The Glasshouse 呈現沉浸式展演，將循環設計、在地文化與社會共融放入同一個創作脈絡。品牌試圖傳達的，不只是如何讓舊衣重新成為服裝，更是材料循環背後所涉及的人、勞動與社會關係。

本次呈現的重要亮點之一，是品牌的 REDEEM™ 循環提花布料。計畫回收臺灣 1,250 件、共 999 公斤的舊牛仔褲，並邀請八位腦性麻痺協會夥伴參與拆解，最終製成 150 碼布料。透過將既有材料重新轉化為設計資源，品牌也讓循環時尚不再只是概念，而是能夠追溯材料來源、製作過程與參與者的實際行動。

系列進一步將丹寧空調服、歷史飛行夾克與二戰軍裝元素、刺繡 LOVE REVOLUTION、制服餘料製成的愛心包，以及回收飛安帶製作的背帶融入作品。品牌也持續連結在地社福、二度就業婦女與海外裁縫培訓，讓永續的意義從材料使用延伸至社會參與。

對 Story Wear 而言，循環時尚不只在於減少廢棄物，更在於重新思考一件衣服如何被製造、由誰參與，以及它能為社會帶來什麼改變。透過沉浸式展演，品牌將材料再生與社會共融轉化為觀眾能夠理解的故事，也讓永續理念有機會進一步走入日常生活。

WEITZUYUAN｜《Silent And Subtle 無聲有息》

從臺灣的風、山與祖靈文化出發，探索自然如何形塑當代服裝

WEITZUYUAN 以 《Silent And Subtle 無聲有息》為題，從臺灣那些不易被看見、卻始終存在的自然力量出發，將風、山脈、土地信仰與祖靈文化轉化為服裝及展演語言。品牌以「風」、「峯」、「酆」三個系列層次展開創作，分別延伸自然氣流、土地地景與精神文化的想像。

「風」以臺灣九降風為起點，連結希臘神話中的風神 Aeolus、印度風天意象、祥雲與紫色等元素，將不同文化中的風之象徵重新編排；「峯」則從山脈與土地出發，將山形紋理及土地公等在地信仰融入都市服裝；「酆」進一步觸及酆都意象與原住民族祖靈文化，並運用絲瓜纖維延伸至服裝與裝置，讓材料本身也成為文化敘事的一部分。

本次展演以食、衣、住、行、育、樂為軸線，並結合在地品牌與跨領域合作，包括安立司食品、S.enyun 的蛋殼與鳳梨永續布料，以及 T.I.N.T STUDIO 香氛等。透過服裝、材質、氣味與空間之間的連結，品牌將原本難以被具體呈現的自然感知，轉化為更完整的感官體驗。

「無聲有息」所指向的，是那些未必以明確形體出現，卻持續影響生活的力量。WEITZUYUAN 透過本季創作，將臺灣自然環境、地方信仰與當代穿著放在同一個脈絡中，思考傳統文化如何在新的設計語言裡持續存在。

Yentity｜《a Slice of Self》

從榮格心理學出發，在理性與感性之間尋找自我平衡

Yentity 以 《a Slice of Self》為題，從心理學家卡爾．榮格（Carl Jung）的 Anima 與 Animus 概念出發，探索個體內在不同特質之間的關係。系列關注理性與感性、力量與柔軟如何同時存在於一個人身上，並思考人們是否能在不必完全符合單一性格期待的情況下，重新理解自己。

在設計上，品牌將這些心理層面的對照轉化為服裝語言，並融入臺灣機能布料，讓材質選擇與造型結構共同回應當代生活的需求。機能性不只是實用考量，也成為設計師探索身體、行動與自我表達之間關係的一部分。

「a Slice of Self」如同從完整的自我之中切下一個切面，提醒觀者，一個人的身分與性格從來不只有單一面向。透過服裝呈現內在特質之間的張力，Yentity 將心理學概念帶入時尚創作，讓穿著成為理解自我、展現多重可能的一種方式。

PRESENTATION 的共同趨勢：讓服裝回到日常生活

本季 PRESENTATION 的共同特色，在於品牌不再只透過成衣本身傳達設計理念，而是運用空間、影像、裝置、表演與材料實驗，讓創作概念發展為更完整的觀看經驗。

AISH 與 Claudia Wang 從記憶與內在感受出發，將情緒轉化為服裝輪廓；CHARINYEH 與 WEITZUYUAN 從自然環境、島嶼文化與地方信仰尋找創作語彙；JUST IN XX 與 Yentity 分別從臺灣日常及心理學出發，重新思考身分與自我；oqLiq × WISDOM® 則透過機能材料與空間裝置拓展服裝的立體表現，而 Story Wear 更進一步將循環設計與社會共融連結起來。

這些不同的創作方向，也呈現 PRESENTATION 與 RUNWAY 之間的差異：前者讓觀眾有機會停留在設計師建構的世界裡，理解服裝背後的材料、文化與思考；後者則透過模特兒的動態，集中呈現系列輪廓與整體造型。兩種形式相互補充，讓時尚的觀看體驗不再只有一種方式。

——EVENT——

時尚離開伸展台，走進藝術、文化與生活

除了正式的時裝秀與品牌展演，本屆臺北時裝週的 EVENT 響應活動，也讓時尚延伸至藝廊、歷史建築、選品店及沉浸式體驗空間。

這些活動不一定以傳統伸展台為核心，而是透過影像、裝置、工作坊、工藝展示與互動體驗，讓觀眾從不同入口認識服裝設計，也讓時尚與其他文化領域產生更多對話。

JOUISSANCE｜《甜膩煽情的禱告》

從蘭花螳螂的擬態出發，觀看服裝如何成為社會中的生存外殼

JOUISSANCE 以 《甜膩煽情的禱告》為題，與 The PRNDL.art 共同策劃靜態展覽，從蘭花螳螂透過擬態融入環境的生存方式出發，延伸思考人們在社會期待與他人目光之下，如何透過外在形象建構身分。對品牌而言，服裝不只是裝飾身體的物件，也像是一層保護自己的外殼，既能協助人們融入群體，也可能成為限制自我表達的框架。

展覽以「展示與擬態」、「建構與本質」、「觀看與被觀看」為核心，將服裝、昆蟲標本式的展示結構、生態模擬箱、印花與設計手稿共同編排，讓觀者在觀看作品的同時，也意識到自己如何觀看他人，以及如何理解自身的身分與欲望。

展覽亦延伸至零廢棄創作工作坊，運用舊 T 恤與品牌印花轉印，重新拼貼製作藝術提袋。從概念展覽到實際創作，JOUISSANCE 將時尚從成衣展示延伸至對身體、認同與社會角色的思考。

ISABELLE WEN 溫慶珠 ｜《溫式美學—成為之所以》

以四十年設計歷程為素材，讓服裝、影像與空間共同敘事

適逢品牌創立四十週年，ISABELLE WEN 溫慶珠與 NETPOSITIVE 趨光合作推出沉浸式時尚體驗 《溫式美學—成為之所以 A Journey Through Conflict Aesthetics》，透過服裝、影像、聲音、燈光、空間與數位科技，重新梳理品牌長期累積的設計語言。

整體體驗分為 Fashion Story、Runway 與 Signature Elements 三個篇章，從時尚影像、服裝動態到品牌標誌性的設計元素，呈現不同時期的創作軌跡。作品以「衝突美學」為主軸，探索東方與西方、古典與當代、剛強與柔軟、粗獷與細緻，以及衰敗與華麗等看似矛盾的元素如何並存。

相較於單純回顧過去的代表作，這次展演更像是將四十年的創作歷程轉化為一套可被走入、觀看與感受的美學敘事。時裝不再只依賴伸展台呈現，也能透過空間與多媒體，讓觀眾更完整地理解設計背後的思考。

Nocturne Key｜《27SS》

從東西方婚禮服飾與女性妖怪意象，重新書寫被標籤的女性形象

由臺灣設計師 Iris Yang 創立、發源於倫敦的獨立品牌 Nocturne Key，在本季臺北時裝週響應活動中，透過靜態與動態展演、講座及工作坊，呈現品牌對歷史服飾、女性身分與身體界線的探索。品牌曾為 Lady Gaga 的《MAYHEM》專輯封面造型製作配件，也持續以跨文化的視覺語言發展自身風格。

27SS 系列從十九世紀末至二十世紀初，中西方婚禮服飾交融的想像出發，將西式白紗與頭紗，結合中式立領、盤扣與刺繡等元素，再融入神話中的女性妖怪形象。作品並非單純重現歷史服裝，而是重新觀看那些曾被視為異類、危險或具有威脅性的女性角色，思考「妖怪」標籤背後的女性自主與力量。

此次回到臺灣，品牌也推出成衣系列與乳膠膠囊系列，進一步模糊身體與服裝之間的界線。從歷史混搭到材質實驗，Nocturne Key 將時尚視為重新詮釋文化記憶與身分認同的媒介。

JAPAN KIMONO PAVILION｜《襲 KASANE – Layers of Japan》

從和服的層次美學，看見傳統工藝如何延續至當代生活

由 Tokyo Kimono Show 呈現的 JAPAN KIMONO PAVILION，以 《襲 KASANE – Layers of Japan》為題，集結 16 個日本和服品牌，展出超過 50 套和服，並透過工藝示範、舞台演出與體驗活動，帶領觀眾理解日本和服文化中的層次美學。

「襲」不只是衣物一層層疊穿的形式，也包含色彩、材質、季節與情感之間的細膩關係。從白、紅、黑等不同層次構成的婚禮服飾，到十二單與重袿所呈現的色彩變化，展覽將傳統服飾的穿搭邏輯與工藝細節轉化為可被觀看和理解的文化體驗。

現場也透過染色、織造、縫製、著裝、髮型、水引結藝與茶文化等內容，呈現和服製作及穿著背後的技術與生活脈絡。當傳統工藝不只存在於博物館或典禮場合，而能透過當代展示與體驗重新進入大眾視野，文化傳承也有了更多與新世代對話的方式。

——新人獎——

第 40 屆時裝設計新人獎

從永續材料到 AI 設計工具，重新思考服裝產業的未來。除了品牌發表，人才培育也是台灣時尚產業持續發展的重要一環。

第 40 屆時裝設計新人獎於 10 月 14 日在空總國家文化基地舉行，首次在這座歷史場域舉辦，也是競賽首次採戶外發表形式。今年共有來自 25 個國家與地區的 530 位年輕設計師參與，國際參賽地區數創下歷屆新高。

本屆大獎由日本設計師小倉拓海以作品 《Future Groom》獲得，優選則由陳立越的《育我如母》與翁昱玹的《剝痕》取得。其他特別獎項涵蓋布料運用、版型設計與商業潛力，顯示競賽除了關注創意，也重視作品在材料、技術與市場上的發展可能。

永續與科技成為本屆作品的重要觀察方向。有參賽者將工廠剩餘矽膠重新運用於針織服裝，也有人透過 AI 輔助構圖與 3D 模擬減少打樣浪費；另有設計師將廢棄汽車帆布改造成飛行外套，或以庫存西裝布料結合簇絨織造，探索材料再利用與多功能服裝的可能。來自不同國家的作品，也分別將舊冰球球衣重新製作，或將婚禮服飾轉化為日常男裝，挑戰服裝用途與性別界線。

這些創作反映出新世代設計師面對的課題已不只有造型創新，還包括如何降低製作浪費、重新理解既有材料，以及運用新工具改變設計流程。

——風格展 Trade Show——

從作品展示走向市場，串聯設計品牌與國際買家

讓品牌不只被看見，也有機會與市場建立連結

本季臺北時裝週 Trade Show 集結 56 個國內外品牌，透過「時尚客訂」、「當代生活」、「風格配飾」與「時尚櫥窗」四大展區，呈現服裝以外的生活風格與設計應用。除了品牌展示，也結合線上銷售、B2B 商務媒合、快閃店與每日工作坊，讓買家、業者與一般觀眾能以不同方式接觸設計品牌。

對新興品牌而言，參與時裝週不應只停留在曝光，更重要的是如何讓作品被合適的通路與合作夥伴看見。透過商務媒合與不同形式的展示，品牌有機會進一步測試市場反應、拓展銷售通路，並尋找跨領域合作的可能。

當時裝週開始同時考量創作呈現、消費體驗與商業需求，Trade Show 的角色也隨之改變：它不只是伸展台之外的附屬活動，而是讓設計成果進入市場的重要環節。

從臺北走向國際：時裝週作為產業交流平台

空總國家文化基地｜讓歷史場域成為當代時尚的對話空間

本季臺北時裝週首度移師空總國家文化基地，讓時尚創作進入具有歷史紋理的文化場域。相較於單一秀場，基地內不同空間所承載的展覽、展演與交流活動，也讓觀眾得以從更多角度理解時尚如何與藝術、工藝及生活文化相互連結。

這樣的場域轉換，不只是地點的改變，也讓時裝週的呈現方式更具彈性。從伸展台到沉浸式體驗，再到工藝展示與新秀競賽，服裝不再只是被觀看的成品，而是能夠承載文化記憶、社會觀察與跨領域實驗的創作媒介。

國際買家與媒體參與｜讓臺灣設計進入更多市場對話

本季臺北時裝週吸引超過 70 位來自九個國家的國際買家，以及近 60 家國內外媒體參與。買家陣容包括日本伊勢丹、阪急、高島屋、BAYCREW’S GROUP、URBAN RESEARCH，以及義大利 LUISA VIA ROMA、德國 Andreas Murkudis 等零售與選品業者。

國際買家與媒體的參與，為臺灣品牌創造了更多被看見的機會，但曝光只是產業發展的起點。如何將展演期間建立的連結延續為訂單、通路合作與長期商業關係，仍是品牌走向國際市場時的重要課題。

從政府支持的時裝週平台、設計師的創作能量，到國際買家的市場連結，臺灣時尚產業正持續探索更完整的發展模式。

從一場時裝週，看見台灣時尚的下一步

回看 SS27，設計師從不同視角回應當代生活：有人透過穿衣規則、超級英雄與吸血鬼敘事，探索身分認同與內在力量；有人將旗袍工藝、籃球文化與歷史服飾重新轉化為當代設計語言，也有人從臺灣傳統工藝、海洋生態與民間信仰出發，挖掘在地文化的更多可能。從個人記憶、身體感知到自我認同，這些創作不只呈現設計師的美學觀點，也進一步延伸至循環材料、機能布料與跨領域合作，展現時尚如何在文化傳承、永續實踐與日常生活之間，持續開展新的想像。

展演形式也持續擴張。從伸展台、靜態展覽到沉浸式影像與互動體驗，服裝不再只能透過模特兒的步伐被觀看，而是能藉由空間、聲音、工藝與參與式活動，讓觀眾從不同角度理解作品。

更重要的是，設計師的創作如何進一步連結市場，也逐漸成為時裝週不可忽略的一環。國際買家的參與、風格展的商務媒合，以及新人獎對設計人才的培育，都指向同一個問題：如何讓創意不只被看見，也能持續發展。

臺北時裝週自 2018 年推動至今，正逐步從時尚發表活動，朝向結合品牌發展、產業交流與國際市場的多元平台轉型。本屆首度移師空總國家文化基地，也讓歷史場域成為當代設計與文化對話的空間。

當時裝週從單純展示服裝，逐步成為創作者、文化場域、消費者與產業之間的交流平台，它真正呈現的便不只是一季流行趨勢，而是臺灣時尚如何在傳統與當代、個人觀點與市場需求之間，持續尋找下一種可能。

※ PHOTO CREDITS：臺北時裝週TPEFW、臺灣設計研究院TDRI、INFDARK、JOUISSANCE 、JAPAN KIMONO PAVILION、 NETPOSITIVE、oqLiq